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Artista
Facundo Lozano
Entrevista
Empecemos por el principio. ¿Por qué decidiste dedicarte al mundo del arte?
No fue una decisión consciente, ya que al año, lo único que me calmaba era cuando estaba sentado frente a una mesa con un papel y lápiz, mis gritos surgían de esa necesidad compulsiva de pintar o dibujar. Mis padres consideraban que como todo niño, debía tener otras actividades, así que me restringieron los papeles y a falta de ellos yo habría las tapas de los discos de entonces para dibujar en su interior.
Me comentaron que has ejercido como Director de Arte. ¿Cómo llegaste a trabajar de eso? ¿Y dónde has trabajado?
Me recibí de licenciado en publicidad y medios de la comunicación, eso me permitió volcar mi veta creativa como director de arte para productos en agencias de publicidad (Quintana Blanco y Asoc., Karatex y Karavell entre otras), luego como lo mío no abarcaba sólo lo relacionado con un producto específico y sentía que estaba un poco limitado con lo que se podía hacer en ese medio me volqué a la dirección de arte en moda trabajando con fotógrafos renombrados que me convocaban para la imagen de distintas marcas.
¿Qué es un Director de Arte? ¿A qué se dedica?
Fundamentalmente el director de arte crea a partir del objeto, persona o tema en cuestión, aportando todo lo necesario para que, a través de la imagen, los colores, las formas, las tendencias, la estética y el equilibrio, este pueda expresar visualmente todo su significado de forma unificada donde cada parte habla de ello sin necesidad de explicarlo. Siempre digo que es una forma de expresar algo creativo a través de la composición visual, dejando claro lo que se quiere expresar sin tener que convencer a nadie a pesar de las diferentes miradas sobre lo mismo.
Además de Director de Arte, leí que ejerciste como escenógrafo. ¿En qué lugares trabajaste? ¿Cómo fue tu experiencia?
Como director de arte de moda o publicidad me veía forzado a adecuarme a reglas preestablecidas sobre el producto y para el producto, por eso sentía que mi creatividad perdía un poco de libertad, eso me llevó a acercarme a la escenografía donde me vinculé con una expresión artística que me permitía volar a mis anchas y jugar con el espacio, los colores, la iluminación y las formas desde lo puramente artístico y arriesgado, de hecho comencé diseñando escenografías para óperas, algo que sonaba un poco acartonado, pero por el contrario, me abrió posibilidades para expresarme de forma muy extrema y delirante. Trabajé para muchas obras, óperas, musicales, drama y comedia en teatros como: Argentino de la Plata, Luna Park, Teatro Roma de Avellaneda, el Teatro Mitre de Jujuy y obviamente teatros de la Av. Corrientes, con artistas y cantantes de la talla de Norma Aleandro o cantantes del Teatro Colón.
¿Hoy te dedicas exclusivamente a la pintura?
Quisiera dedicarme de forma exclusiva pero no, me gusta incursionar en cosas nuevas todo el tiempo y eso abarca diferentes emprendimientos y trabajos o propuestas interesantes que si bien están relacionadas con lo creativo suman como experiencia a la hora de pintar.
¿Qué es lo que más te gusta de pintar?
No tengo un estilo ni gusto por algo especial, he pasado por distintas etapas expresivas y el riesgo de subirme a técnicas diferentes creo que es lo que más me atrapa. La figura humana es algo que me encanta dibujar o pintar porque lo tengo muy incorporado al punto de no tener necesidad de copiar o partir de un modelo, todo está en mi cabeza en lo que respecta a formas, expresión y posturas pero mantenerme en eso, es como estar en mi zona de confort, que al fin de cuentas se termina volviendo cíclica. Soy de los que cree que el artista, si bien tiene un patrón identificable en sus trabajos, debe abarcar muchas tendencias y técnicas. Enchastrarse bien las manos como suelo decir...
¿Cómo es tu proceso creativo? ¿Qué materiales utilizas?
Soy muy curioso experimentando con las posibilidades que te pueden dar los materiales no convencionales, me gusta mezclar y probar con texturas y acabados que parecieran no adaptarse o relacionarse con algo artístico pero soy más de volcar esas experiencias cuando trabajo con formas tridimensionales, un espacio, una escenografía, un mueble. Armar en el espacio me permite abarcar muchas formas y materiales que se vuelven difíciles para un lienzo. En lo que respecta a lo pictórico, ya sea sobre una tela, papel o placa me gusta trabajar con óleo, acrílico y todo tipo de pigmento interesante, incluidas las pinturas para paredes siempre y cuando estos materiales puedan diluirse y mezclarse.
¿Cuáles han sido tus influencias? ¿Y tus referentes actuales?
Mi gran influencia fueron los grandes maestros de todas las épocas y todas las tendencias. Recuerdo las horas que pasaba de chico estudiando los detalles de las imágenes de obras de artistas renombrados en los libros de arte de mi casa paterna.
¿Trabajás en un taller? ¿Qué significa tu taller para vos?
Sí, trabajo en mi taller, tengo un lugar cómodo y amplio que hasta lo uso para muestras, pero no siempre la necesidad surge cuando estoy en mi taller. Puedo estar almorzando en el bar de la esquina y si se me ocurre algo agarro una servilleta, una lapicera y vuelco la idea, el boceto, para pulirlo, aunque muchas veces ese boceto termina siendo la obra en sí misma. A veces creo que el alma de lo que se quiere expresar queda plasmada en la primera idea, los primeros trazos que se volcaron de forma compulsiva sobre lo que tengamos a la mano. Mi taller es mi mundo, donde respiro mi aire, no tengo horario y disfruto enormemente de estar conectado con el lenguaje que me expresa, fuera de las demandas y exigencias sociales. No hay soledad. Hay placer y experimentación.
Tenés varias obras de paisajes de campos ¿Existe alguna relación de los mismos con tu vida? ¿Con tu niñez quizás?
Pasé toda mi niñez en el campo, en las montañas y seguramente eso se traduce en muchas etapas de mis obras, aunque mi intención no es hacer paisajismo, en mis obras no hay montañas, quizá las represento a través de enormes pelotas de fardo, no lo sé, mi intención es plasmar la niñez en un contexto austero y espacioso tomando dos elementos del campo a los que no intento darles realismo: los pastos altos y el cielo con formas imaginadas.
He visto que tienes una serie de nudos, ¿podrás comentarme un poco al respecto?
Esos nudos surgen también de los pastos en los espacios que pinto. Son un elemento primario que tomo para darles vida propia, pero en un contexto más abstracto, que se traduce en unas pinceladas, una línea o una forma más que a un yuyo, junco o pasto en sí mismo.
¿Dónde exponés? ¿Trabajás o trabajaste con galerías? ¿Con cuáles?
Expuse en Argentina, en México y en Brasil, también en exposiciones como Bada o ArteBa, pero estos últimos años expuse en mi taller porque las dimensiones permiten usarlo como galería de arte, esto también me posibilitó convocar a otros artistas para que expusieran sus obras. Fundamentalmente expongo en mi espacio porque la tendencia actual es la de convocar en talleres. A la gente le agrada más encontrase con la obra y el artista en su lugar de trabajo.
¿Cuáles son tus obras más recientes y en qué estás trabajando al día de hoy? ¿Dónde podemos ver tus cosas?
Hoy estoy en plena cuarentena lejos de la capital, lejos de mi taller del barrio del Abasto, a 130 km de la ciudad, en mi chacrita, así que estoy experimentando con lapicera sobre cartón. Estoy trabajando con lapicera negra, un elemento común a todos que se acerque y se familiarice con el observador, un pigmento que todos han usado para escribir, hacer un garabato o marcar en una madera. El trabajo es muy meticuloso y lleva tiempo pero es muy placentero para estos tiempos de encierro.
Mis obras se pueden ver a través de Instagram, (@facloz) no soy muy asiduo a las redes y soy bastante malo para eso, así que todo lo maneja alguien idóneo, aunque debo decir que los mejores resultados los tuve a través de recomendaciones y el boca a boca, personas que vieron alguna de mis obras y se comunicaban para ver mis trabajos en el taller, personalmente algo mucho más gratificante, porque en internet la mayoría de lo expuesto es un extracto de cada obra y muchas son de series anteriores ya vendidas.
¿Cuál ha sido la serie u obra que más has disfrutado hacer y por qué? ¿Y la que menos? ¿Por qué?
La que disfruto más hacer es la que estoy plasmando en ese momento, cada obra que realizo, mientras está en proceso la siento mejor que la anterior. Disfruto de la obra mientras estoy realizándola, la siento como parte de mí, una vez terminada tengo la sensación de que no me pertenece. Hubo muchas obras que no me gustaron, los "por qués" son muchos: estética, tema, desgano, incertidumbre y todas terminaron en la basura o recicladas, inclusive hay series de años anteriores que las miro y no me gustan nada, siento que no tienen nada que ver con el Facundo de ahora. Según dicen, la insatisfacción típica de todo artista.
¿Cuáles son tus referentes?
La vida, lo que miro, los detalles que descubro en cosas sencillas que los demás pasan por alto, todo lo miro vinculándolo con una posible idea para una nueva obra.
¿De qué artista te gustaría tener una obra y por qué?
Varios. Pero uno que aún me cautiva es Gustav Klimt, me maravilla la capacidad creativa que tuvo para usar elementos decorativos y simples a la manera de estampados como patrones ornamentales que revalorizan y dan fuerza a cada una de sus obras de una forma casi vanguardista y atemporal.
¿Qué artistas te parecen primordiales y necesarios conocer, para entender el arte Argentino,
y por qué?
Benito Quinquela Martín por su talento, su manejo de la espátula y capacidad para describir en detalle al trabajador, al inmigrante, nuestro Río de la Plata y su zona portuaria. Fernando Fader por su talento y la belleza de sus paisajes y costumbres nuestras y Carlos Alonso por su talento, modernidad, eterna y crudeza.
¿Cuál crees que es la función del artista? ¿Y del arte?
La función del artista es expresar su propia esencia, que puede ir desde lo personal a lo social, la protesta, el cambio y tantas otras formas de expresión. Todo artista tiene algo que contar, algo que expresar y algo que cambiar. La finalidad del arte es pasar por encima de lo preestablecido, nos invita repensar, a romper estructuras, a innovar, a tomar de lo que ya existe, de lo que siempre estuvo y lo que siempre fue, recopilándolo y armándolo de otra manera con otras formas y contenido, permitiendo que aquello que se expresa nos abarque a todos y nos transforme, porque el arte es para todos, y a fin de cuentas todos nos reconocemos en él. En nuestros genes hay algo que nos unifica a través del arte por eso debería ser más popular y cotidiano, de hecho las más grandes obras las encontramos en la calle compartiendo nuestro día a día, sea una gran escultura o un grafitti. El arte debería ser menos solemne, menos elitista, por eso me inspira a escribirlo en minúscula.
¿A qué contexto crees que pertenece tu obra? ¿En dónde te ubicarías?
Lo mío es bastante ecléctico y siempre me sentí fuera de los casilleros en los que se suelen poner los distintos estilos. Una obra mía puede parecer de un estilo y la siguiente parece pertenecer al estilo opuesto.
¿En qué circuitos crees que deberían moverse los jóvenes artistas emergentes?
En todos, porque es la mejor forma de integrar el arte en áreas donde no se la incluye, siendo beneficioso para el que no está interesado o no conoce, siendo también beneficioso para el artista que debe empaparse de lo que la vida y las experiencias de todo tipo le ofrecen y más en estos tiempos donde la tecnología lo abarca todo. El arte está en todo, es para todos y no se necesita saber de arte para sentir o apreciar si algo nos provoca placer o desagrado. Nos debería pasar como nos pasa al apreciar otras cosas, algo tan simple como eso.
¿Qué le aconsejarías a un joven artista que quiere hacer del arte su trabajo diario? ¿Y qué no le aconsejarías que haga?
Si la necesidad de expresión es genuina, debe hacer todo lo necesario para no abandonar esa pasión que al fin de cuentas es parte de él mismo, aunque a veces parezca que las cosas no salen como se espera. Lo que muchas veces desilusiona y dan ganas de dejar todo atrás, es parte del proceso necesario para poder algún día expresarse y ser escuchado. Lo que le aconsejaría que no haga: es regirse por las reglas y normas que, entre comillas, denominan al artista. En estos tiempos el arte es mucho más que habilidad para el dibujo o conocimiento del color y la forma, el arte está abarcando áreas inimaginables, lo que antes era un simple garabato en un muro viejo de una estación, hoy puede ser algo innovador y novedoso que puede cambiar conceptos y tendencias, lo importante es, como dije anteriormente, todo lo que tenemos a la mano y frente a nuestros ojos, sólo tienes que desarmar las piezas para rearmarlas de tal forma que te expresen y puedan llegar e inspirar a otros.
Ahora bien, me gustaría invertir un poco los roles. Pedirte que formules una pregunta que le harías a otro Artista. ¿Y a un Crítico de Arte?
Cada artista tiene su esencia, sus experiencias, su estilo y su técnica para expresarse y nada es más admirable que lo diferente a lo que uno hace. Lo que me da curiosidad de preguntar a otro artista, son cosas que tengan que ver con su vida y sus experiencias, porque a través de eso logro interpretar sus obras.
A un crítico de arte también le preguntaría cosas que tengan que ver con su vida y sus experiencias, porque a través de eso podría interpretar cuáles son sus parámetros para validar o descalificar a una obra.
Facundo Lozano
Nacido en Buenos Aires, a los pocos meses de vida su familia partía de la capital para instalarse en la provincia de Tucumán (Trancas, muy cerca de la frontera con Salta) donde paso sus diez primeros años viviendo una infancia rodeado de cerros y naturaleza.
Ya a los dos años expresaba una gran necesidad de dibujar y pintar y a los seis dibujaba la figura humana o los animales sin copiar, llenas de movimiento y expresión y con un conocimiento casi innato del cuerpo humano.
Muy temprano comprendió que ese deseo por dibujar y pintar lo acompañaría toda la vida, transformándose en una necesidad compulsiva que volcaba en papeles, chapas, maderas, incluidos el interior de las tapas de los discos de entonces.
La infancia y adolescencia, si bien no fueron fáciles, comenzaron a forjar una fuerte predisposición a la expresión que lentamente se desplegaría en ambientaciones, intervenciones y muralismo.
Su formación comenzó en Estimulo de Bellas Artes y a lo largo de los años tomo clases con Nestor Verges, Nora Dobarro y Carolina Antoniadis.
Hizo la carrera de publicidad en la Universidad del Salvador y trabajó como director de arte para producciones de moda y publicidad con fotógrafos de la talla de Gabriel roca, Gaby Herbstein y Wolf y Esmoris, donde, destacaba puestas realizadas de su propia mano vinculadas con el muralismo, la escenografía, el dibujo y la pintura.
Las ambientaciones le despertaron interés por el teatro y la necesidad de entrar en su mundo, estudió teatro con Julio Chávez y Augusto Fernández. El ambiente de teatro le abrió el camino hacia la escenografía, una expresión que le permitiría crear espacios que acompañaran y nutrieran una historia y un argumento, algo que después lo volcaría en sus pinturas.
Se destacó como escenógrafo diseñando para diferentes Óperas (Traviata, Carmen, Elixir D´Amore, Flauta Mágica, La Cenerentola, etc.) y obras Musicales de la Comedia y Drama dirigidas por directores como: Norma Aleandro, Daniel Suarez Marzal, Eva Halac y Ricky Pashkus entre otros presentadas en teatros como El Nacional Cervantes, Teatro Argentino de La Plata, Luna Park, Teatro Roma de Avellaneda, Teatro Mitre de Jujuy y varios de la Av. Corrientes.
Participó del emprendimiento y ambientación de todo tipo en el Espacio Cultural Konex en el cual diseñó la escenografía para la comedia Musical RENT y la Ópera La Boheme.
En el 2010 fue convocado por la gobernación de Buenos Aires como Director de Arte para diseñar junto con la colaboración del teatro Colón la puesta sobre el bicentenario de la independencia que se llevaría a cabo en las calles y los parques de Palermo con ambientaciones de época, saltimbanquis y una temática circense que representará el 25 de mayo de 1810.
Desde hace diez años a esta parte, expone en su taller del Abasto donde está dedicado enteramente al diseño y la pintura, base y esencia que desde el comienzo le abrió las puertas para la expresión en otras ramas del arte que siempre comenzaban siendo creadas en un lienzo o papel.
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